Entrevista a Rodolfo Hinostroza por Carlos Sotomayor

Rodolfo Hinostroza tiene un nuevo motivo para celebrar. Su célebre poemario Contra Natura cumple 40 años desde su publicación, allá por 1961. Aquel libro, que se hizo acreedor del Premio Maldoror –organizado por la editorial Seix Barral–, se ha convertido en un clásico de las letras hispanoamericanas. Lustra editores, con Víctor Ruiz a la cabeza, se suman a la celebración con una estupenda edición conmemorativa.

Entrevista CARLOS M. SOTOMAYOR

Contra Natura cumple 40 años y su vigencia es indiscutible. ¿A qué atribuyes esto?

Creo que es por la época. En esa época agarré la onda del tiempo. Empecé algo que iba a florecer con el tiempo: el nacimiento de la utopía y esa libertad que los jóvenes tienen ahora. Todo esto fue una cosa que empezó allí. Y creo que tuve la suerte de pertenecer a ese momento histórico.

El libro marca una toma de posición frente al poder…

Esa toma de posición política que yo tenía al escribir el libro se ha acentuado hoy. Para mí estamos al borde de un gran cambio político. Y lo que estamos viendo son signos que preceden a un gran cambio. Esa tendencia de la paz y la justicia que había en los años sesenta se van a acentuar mucho en este momento porque hay un gran cambio de ciclo. Porque justamente habrá un predominio del poder y la energía femenina, que va a dulcificar nuestros modales y costumbres, y va a regularizar una serie de valores que ahora están al borde del colapso. En otras palabras, la utopía que yo he auspiciado en este libro va a ser posible dentro de pocos años.

¿Qué significó para ti ganar el importante Premio Maldoror?

Me alegró mucho. Recuerdo que una vez que gané, conocí a Octavio Paz, quien fue miembro del jurado. Me lo encontré en París. El estaba de paso, pues se iba a Londres. Me pidió que lo acompañara a la estación de tren. Y me dice: ¿ya salió el libro? Sí. ¿Y qué cosa ha pasado? Nada. Cómo que nada, acuérdese de mí, este libro le va a cambiar la vida (risas). Y efectivamente la cambió. Era un premio internacional con un gran peso. Y era la primera vez que un peruano ganaba un premio internacional en Europa. Eso fue noticia internacional. Ese libro es el que, probablemente, me ha dado más de satisfacciones.

Era tu segundo poemario y con él logras convertirte en una voz indiscutible de la poesía hispanoamericana.

Me sorprende mucho a mí mismo. Creo que viene un poco de nacimiento. Tengo el don natural de la lengua. Con ese segundo libro de poemas gané un premio. Y luego he seguido ganando premios. Gané el Juan Rulfo. Eso me dice que tengo el don de poder escribir cualquier género. No digo que no me cueste. Me cuesta, porque hay que aprender. Yo tuve que aprender a escribir teatro, por ejemplo; no es algo que surja espontáneamente. Yo no me quedé en la parte poética. Sino que, cuando gané el Premio Maldoror, había cumplido con la poesía y que había llegado de manera espontánea a una especie de nivel. Y traté de explorar un poco más mi don de la lengua. Saber si podía escribir prosa tan bien como poesía. Y a mí la prosa siempre me interesó mucho. Escribí un libro de cuentos. Luego dos novelas y tres obras de teatro.

¿Y ahora que sorpresas nos preparas?

Y ahora estoy por publicar parte de mi obra periodística. Así como tú yo he sido periodista toda mi vida y he vivido de esto durante años. He trabajado en Caretas. Terminé dos libros: Descubriendo la experiencia de la cocina peruana, donde cuento mi experiencia de cronista gastronómico, y Pararrayos de Dios, que son veinte crónicas sobre poetas peruanos.

Dado que escribes distintos géneros, siempre me he preguntado cómo es tu proceso creativo…

Hay un poema que se llama “Redes para captar una nube”. Yo tengo redes para captar una nube. Qué cosa hago. Primero, es la idea, lo que yo capto. Las nuevas ideas para algo son siempre muy escazas. Entonces, qué sucede: se me ocurre una idea perfecta para cuento y lo escribes, si tienes el talento para escribir cuentos. Y luego viene otra idea y dices: esto es un poema. Y así vas reconociendo el género según el tono con el que vayan apareciendo las cosas. Esto tiene que ver con el prodigio que te comenté de tener desarrollada esta capacidad de dominar la lengua en todas sus formas.

¿Y esa facilidad que mencionas tiene que ver con el hecho de que tu padre fuese poeta? Acabo de recordar un pasaje de tu novela Fata Morgana en la que el protagonista le revela a su psicoanalista que su padre escribía poesía. Y él le dice algo así como “recién me lo cuentas; eso explica muchas cosas”.

(Risas) Claro… Mi padre era poeta. El año pasado publiqué su obra poética. Mi padre escribía muy bien. Mi madre también escribía. Tenía buena prosa y sabía reconocer la buena prosa. Mi papá me pasó Lolita de Nabokov cuando tenía 21 o 22 años. La leí y fue un deleite por el placer de la lengua. En mi casa había eso: el placer de la prosa.

(Crédito de la nota: http://carlosmsotomayor.lamula.pe/2011/06/01/entrevista-a-rodolfo-hinostroza-3/carlossotomayor)

Nota de "La casa amarilla" y "Casa abandonada" (Lustra, 2011) por Marcela Robles

Exhibimos la nota de la poeta peruana Marcela Robles sobre los poemarios "La casa amarilla" y "Casa abandonada" (Lustra, 2011) de Miguel Ángel Sanz Chung, publicada en El Comercio el 29 de mayo de 2011.

"Dantes" de Miguel Ildefonso

Título: Dantes.
Género: Poesía.
Autor: Miguel Ildefonso.
Editorial: Lustra editores.
Dimensión: 23.5 cms. x 14.6 cms.
Precio: S/. 35.00
Año: 2010
Número de paginas: 198
ISBN: 9786124035111

Poseedor de una fecunda producción literaria que abarca distintos géneros como la poesía, la narrativa y el ensayo, Miguel Ildefonso desarrolla -particularmente en poesía- un universo personalísimo que apela a la autobiografía, a la anécdota, al diálogo constante con los grandes maestros de la creación y a elementos de la cultura popular peruana y estadounidense para tejer una red de referentes intertextuales que se extiende a través de su obra para configurar un hipertexto donde la fragmentación, el collage, la sucesión de imágenes en forma recursiva y la unión de los contrarios abren y cierran puertas en esta gran casa que ha logrado edificar como el lugar donde habitan todas estas pulsiones. Miguel puede hablar desde la Av. Alfonso Ugarte, Cailloma, Camaná o Chacalón, pero también desde una Av. en Nueva York o desde Kavafis, Elvis o Pound, pues el territorio desde donde se enuncia siempre será el concerniente a su inividualidad: a su voz y a su particular modo de articular todos estos referentes en torno a una gran máquina viviente que intenta ser total apelando a la síntesis. En la escritura de Miguel no hay culturas superiores o inferiores, hay culturas. Hay diferencia. Y hay respeto por esa diferencia. Esta es una de las razones por la que su obra es una de las manifestaciones más auténticas surgidas en Hispanoamérica en los últimos años. Es síntesis, pero también un camino abierto. Una posibilidad que refulge en la noche sin fin.

(Reseña de Víctor Ruiz Velazco)

Nota sobre "Breviario de Santa Inés" de Arturo Corcuera

Reproducimos la nota sobre la antología de poemas "Breviario de Santa Inés" del reconocido poeta peruano Arturo Corcuera (Lustra editores, 2009), publicada en el Diario "La República" el día 05/08/2009.

Breviario poético de Corcuera

Hoy presentan en la feria del libro. Selección de poemas escritos en Santa Inés, Chaclacayo.

Esta noche, en una de las últimas actividades de la Feria del Libro, el poeta Arturo Corcuera presenta una antología de sus poemas. Con el título Breviario de Santa Inés, el reconocido Corcuera ha reunido un ramillete de poemas que le son caros, por su escritura y seguro también por los motivos que lo indujeron a escribirlos. “Se trata –dice el poeta– de una antología mínima sólo de los poemas escritos en Santa Inés, esa zona aldeana y campestre de Chaclacayo que todavía no se ha dañado con la construcción de casas de cemento y en serie”.

La selección reúne textos de los libros Noé delirante, Puerto de la memoria, A bordo del Arca y Baladas de la piedra, del amor y de la muerte (aún inédito). Edita Lustra editores. Santa Inés queda muy cerca de Los Ángeles, donde vivieron Sologuren, Arguedas, César Calvo y Luis Alberto Ratto, entre otros poetas y escritores.

(Crédito de la nota:

http://www.larepublica.pe/archive/all/fama/20090805/6/pagina/1547/cultural)

"Preparaciones anatómicas" de Mario Pera

Título: Preparaciones anatómicas.
Género: Poesía.
Autor: Mario Pera.
Editorial: Lustra editores.
Dimensión: 23.5 cms. x 14.3 cms.
Precio: S/. 25.00
Año: 2009
Número de paginas: 55
ISBN: 9786124035029

Muchos iniciantes llegan provistos de ropas, escudos y un sin fin de artilugios para asegurarse una entrada limpia y sin lesiones al mundo de la poesía. Estos nos entregan, las más de las veces, poemas correctos, solventes hasta cierto punto —bonitos como escritos por malos poetas—, no muestran la piel, son pudorosos y preservan las buenas costumbres. La importancia de este tipo de poetas radica en que sin ellos no existirían aquellos otros poetas, los menos, que se salen incluso de ellos mismos para mostrarnos la piel, los músculos, los nervios y la osamenta.

Los poetas de este segundo grupo son los que giran la rueda y miran a Barlovento sin nostalgia. Son estos espíritus libres los que civilizan y toman la imagen del Dios Occiso de Frazer como su única representación posible ya sea en Fenicia, en África, en Grecia o en la Isla de Pascua; puesto que conciben un «territorio» como el espacio que ocupa un cuerpo vivo mediante los afectos de los que es capaz (como diría Guattari). Son desbordantes, excesivos, incontenibles en su intensidad: son un devenir, siempre una Nueva Carne. Una Nueva Carne de la que han dado cuenta Rilke, Rodin, Bataille, Artaud, Bellmer, Ozu, Debussy, Mozart, Bacon, Klee, Nietzsche, Bergson y Foucault entre otros artistas e intelectuales, y a la que Mario Pera apela con sus Preparaciones anatómicas sin miedo ni pudor, asumiendo riesgos como la escritura de poemas de largo aliento, donde el desarrollo del discurso y las complicaciones inherentes que conlleva escribir un texto de estas características está finamente salvado por el equilibrio perfecto entre pasión e inteligencia, oficio finalmente, del que el autor nos da cuenta (notable es la ejecución de «Roma S·P·Q·R·», por ejemplo).

La verdad que trasunta esta la primera poesía de Mario, refulge en la oscuridad de sus versos (con citas suyas o voces de otros) como minerales preciosos en una cueva o mejor aún caverna, y es que el oro no es sacado de los socavones en lingotes, aunque sus poemas cercanos a lo epigramático nos pongan en la posición de tener que contradecirnos con frecuencia y hablar, por lo menos, de que, a veces, podríamos encontrarnos, en la misma caverna, monedas finamente acuñadas como dones o revelaciones.

(escrito por Víctor Ruiz Velazco)

"Postpop" de Luisa Fernanda Lindo

Título: Postpop.
Género: Poesía.
Autor: Luisa Fernanda Lindo.
Editorial: Lustra editores.
Dimensión: formato de CD.
Precio:

Año: 2009
Número de paginas: 32
ISBN: 9786124035036

Luisa Fernanda Lindo ha sacado a la luz un artefacto indefinible. Un Datzibao que ha colgado en uno de los muros desnudos de su barrio en nombre de todos los que vivimos en un país que se iba desintegrando día a día, tan lejos y tan cerca a la vez.

Un canto a lo cotidiano y a lo actual que denota que hasta nuestros actos más simples estarán siempre de alguna manera impregnados, de diversos modos, por el horror del pasado. Ese pasado que, mediante estos nueve textos breves, Luisa Fernanda ha pretendido retratar - sabiendo bien que retratar es de alguna manera hacer ciertos cambios al modelo-. Y sabiendo también que esa es una de las atribuciones que tiene la poesía biográfica cuando se escribe con más ánimo de impugnación que de nostalgia. La de Luis Fernanda Lindo es un ejemplo de esto.

(escrito por José Carlos Yrigoyen)

Nota sobre "Memorial de Casa Grande", de Rodolfo Hinostroza por Fernando de Diego

Reproducimos aquí la nota que sobre el poemario Memorial de Casa Grande de Rodolfo Hinostroza, efectuó el reconocido Fernando de Diego, publicada en la página web "Poesía-sexo-marihuana" el año 2006.

Memorial de Casa Grande (2005) de Rodolfo Hinostroza

Memorial de Casa Grande (2005), último poemario de Rodolfo Hinostroza después de unos años de silencio poético, nos invita a la reflexión sobre la identidad peruana. La voz lírica, homónima del autor, se sumerge en el árbol genealógico de la familia Hinostroza para ir exponiendo, desde el primer poema “Los tíos de Huaraz”, el recorrido de una familia que anclada en sus orígenes en el fundo de Huaraz y “constructores de la legendaria ruta a Quincemil”, se desperdiga por la amplia mesocracia burguesa de la ciudad de Lima: “Tomaron casa pues en La Victoria/ Que era el nuevo distrito mesocrático/ De tiempos de Leguía...”. El Memorial se compone de dos grandes movimientos en los que se expone sucesivamente, a forma de crónica, la vida de la familia y la del propio autor. El poema final “Con el sol en los órganos” sirve de anclaje con la realidad inmediata y constituye una reflexión sobre el presente y el futuro de la voz poética.

Desde “Los tíos de Huaraz”, el poema más extenso del libro, y “Las bodas de la tía Luchita”, se nos expone no sólo el recuento de los avatares de la familia Hinostroza sino que en filigrana van inscribiéndose en el discurso los recuerdos y alusiones de la voz poética, que creo se puede identificar sin temor a equivocarnos con la del propio autor. En “Los tíos de Huaraz” se rememora la perdida Edad de Oro en el fundo familiar, se recuerda el contexto cultural que rodeaba aquel mundo desaparecido mediante la enumeración de la música que escuchaban. El problema de la migración se plantea como una pérdida sucesiva de la identidad. Lima representa no sólo la pérdida de poder económico sino al mismo tiempo la aparición de otros fenómenos producto del medio urbano. Quizás sea la música evocada la que nos muestre esta evolución. Del Bel Canto de Huaraz se pasa al bolero de María Grever, y la incidencia de la música cubana, con Celia Cruz como representante principal. La violencia de género también se menciona aunque brevemente en relación con la vida de su tía Berta. Pero acaso lo más interesante de esta parte final del primer poema sea la rememoración de una Lima, acaso perdida, centrada en torno al barrio de Barranco. El discurso de Hinostroza en este poema adquiere carácter épico dejando de lado las características esenciales de su poesía anterior. El desencanto y el compromiso político presentes en Consejero del lobo, dejan su lugar a una introspección en la que el yo lírico se oculta tras la tercera persona del cronista de Memorial. Las prédicas pacifista y libertaria de las que nos hablaba J.A. Mazzotti¹ al estudiar Consejero se han desplazado a un diálogo con un pasado asumido en el que los registros coloquiales describen prácticas culturales y ritos sociales de una familia venida a menos en la Lima de la década de los 40.

En “Las bodas de tía Luchita”, segundo poema de Memorial, encontramos el origen de la pasión de Hinostroza por la gastronomía. Las referencias a la pintura prerrafaelita para describirla se acompañan de la descripción del origen multicultural de la cocina peruana como marca de identidad nacional. El papel de la mujer en dicha sociedad se define irónicamente por la “venta” de Luchita a cambio del pago de las deudas paternas. Hinostroza recurre al corrido mexicano para describir al macho encarnado por su tío Augusto. En este poemas también encontramos referencia a otro personaje teatral de su propia obra, el Hermano Iván de Cuadrando el círculo, obra inédita del autor. De forma indirecta y mediante la intertextualización de su propia obra, procedimiento caro a Hinostroza, la astrología se inserta como elemento menor en el poemario, tema ya desarrollado fundamentalmente en Contra Natura.

En los dos poemas que le siguen: “Los hijos de Clausen” y “Los huesos de mi padre”, el poeta focaliza el objeto de su discurso en su entorno más cercano. El paraíso perdido de Huaraz se remplaza, en el primero de ellos, por el inalcanzable de los Estados Unidos de América. De la Casa Grande hemos pasado a la Casa Chica. El poeta desvela sin ningún pudor la historia de la familia de su madre y del matrimonio de sus padres. El mundo referencial que se intertextualiza en este poema es deudor del mundo cinematográfico. Hinostroza expone el otro lado de la medalla de la estructura social peruana, la historia de lo “otro”, de los “otros”, de los miembros de las “casas chicas”, representada por todas las familias cuyo origen hay que buscarlo fuera del linaje bendito por la Iglesia o el Estado. “Los huesos de mi padre”, poema que por primera vez aparece con un epígrafe de Javier Heraud², es un homenaje a la figura paterna, de la que ya nos habló en los poemas anteriores, a su vida y a su obra poética. Las referencias literarias a Jorge Manrique presentes en el poema sirven de entramado al dolor ya anunciado en los versos de Heraud, la temática de la fugacidad de la vida y del anonimato del poeta sin éxito completan el poema. El poemario concluye con una reflexión sobre la muerte y una elegía a la vida marcada por los últimos versos y la imagen del sol como compañero de la experiencia de lo vivido.

A modo de conclusión, podemos señalar que la palabra del lenguaje poético de Hinostroza abandona en este poemario “la honda y compleja oscuridad [...] su entraña visionaria y onírica” de la que nos hablaba González Vigil³, para exponer en forma de memorial sus recuerdos y vivencias. Se abandona el lenguaje poético cargado de metáforas y referencias a los clásicos ingleses y de lengua castellana, su afecto por la astrología y la cita erudita, sus reflexiones sobre el ajedrez para recurrir a un lenguaje descarnado de figuras retóricas pero cargado de referentes de la cultura popular, que fluye a lo largo de sus versos y describe su historia familiar que nos recuerdan los últimos versos de “Nudo borromeo”:

“Y en un delirio de provisiones y de ropa limpia

Olorosa a lavanda

Viajas en tus palabras

Y tus palabras viajan.”

¹José Antonio Mazzotti y Miguel Ángel Zapata. El bosque de los huesos. Antología de la nueva poesía peruana 1963-1993. México: El Tucán de Virginia, 1995.

²Este poema apareció con anterioridad (sin el mencionado epígrafe) en la revista Quehacer 114 (Lima: julio-agosto 1998: 90-93), y en el volumen Yacana. Antología poética. 51 poetas (Lima: Librería Internacional del Perú, agosto 2005, pp. 93-96).

³González Vigil, Ricardo. “Presentación”. Consejero del lobo de Rodolfo Hinostroza. Lima: Tixi Producciones, 2003.

(Crédito de la nota: Fernando de Diego Pérez.

http://www.poesia-sexo-marihuana.com/rodohinosmemo.html)

(Crédito de la fotografía:

http://edilbertoaldan.blogspot.com/2007_11_01_archive.html)

Nota sobre Rodolfo Hinostroza por su tercer poemario "Memorial de Casa Grande"

Reproducimos la nota que efectuó el periodista Javier Ágreda sobre el poeta peruano Rodolfo Hinostroza, publicada en el Diario "La República" el día 14/01/2006.

Memorial de Casa Grande

Más de 30 años después de la publicación de su último poemario -Contra natura (1971)-Rodolfo Hinostroza nos entrega en Memorial de Casa Grande (Lustra editores, 2005) un conjunto de cinco poemas que narran la historia de las más recientes generaciones de su familia. La de sus ancashinos tíos-abuelos paternos en "Los tíos de Huaraz" y "Las bodas de la tía Luchita"; la de sus abuelos maternos y tíos limeños en "Los hijos de Clausen"; y la de su padre en "Los huesos de mi padre". Por último, el escritor reflexiona acerca de su propia existencia ("viviendo tantas vidas como ancestros") y muerte en el poema "Con el sol en los órganos".

Si bien la obra de Hinostroza, como casi toda la poesía de la generación del 60, se ha caracterizado por incluir elementos narrativos, esta vez estos elementos se vuelven dominantes, dejando fuera las alusiones intertextuales y las reflexiones metaliterarias de la poesía hinostroziana. Además, se abandona todo tipo de retórica y métrica por un lenguaje oral y coloquial: "Mi madre Gloria era / la chica linda del Callejón del Buque / de bajoelpuente, en el jirón Trujillo, manyas primo". El resultado remite a esa tradición de poesía en español que va desde los romances hasta los corridos mexicanos, recreados en uno de estos poemas: "Loco de rabia asesina / el tal chileno culeo / se enfrentó con su entenao...".

Fue el crítico español Fernando de Diego quien motivó a Hinostroza -al pedirle algunas páginas sobre el pasado de su familia- a escribir estos poemas. De Diego destaca, en el prólogo, el valor testimonial de este Memorial que recorre el siglo XX peruano a partir de los avatares de dos familias de diferente origen pero de la misma clase media. Las crisis económicas, la migración, el retrato de la Lima "que se fue", las injusticias raciales y de género, aparecen en estas páginas ligadas a ciertos aspectos de la cultura popular. De ahí las diferentes menciones fílmicas, culinarias y musicales: "Celia Cruz la cubana / con la Sonora Matancera desde luego / que venía para el carnaval de Barranco...".

Por supuesto, los seguidores de la poesía de Hinostroza se preguntarán si ese valor testimonial justifica la renuncia al complejo y rico universo de Consejero del lobo (1965) y Contra natura; a esa poesía desarrollada a partir de la provechosa lectura de Saint-John Perse, Pound, Eliot y Shakespeare. Demasiadas renuncias solo para incursionar en territorios poéticos bastante transitados, pues en el Perú contamos ya con una serie de testimonios similares, y hasta de una mayor diversidad cultural, que se inician con la obra fundadora de Leoncio Bueno (Trujillo, 1921) y abarcan hasta libros de autores de promociones recientes como Casa de familia (1995) de Selenco Vega.

Cosas del lenguaje

"Antes mi poesía era acusada de hermética, difícil, bastante barroca..." ha dicho el poeta en entrevista reciente, "...entonces me he propuesto simplificarla. He hecho una cosa más sencilla, con un lenguaje corriente". A pesar de este propósito, su entusiasmo por el lenguaje "corriente" no parece ser mayor que su vocación barroca, y en "Con el sol en los órganos", el poema final del libro, el verso endecasílabo, el más prestigioso de la literatura en español, se vuele dominante. Y con él comienzan a sentirse ciertas resonancias gongorinas: "El mar al borde de la carretera / con su lonja de sol que reverbera...".

Perfil

Nacimiento. Lima, 1941. Poemarios. Consejero del lobo (1965), Contra natura (1971), Poemas reunidos (1986). Narrativa y teatro. Aprendizaje de la limpieza (1978), Fata Morgana (1994), Apocalipsis de una noche de verano (1986), Cuentos de extremo occidente (2002).

(Crédito de la nota:

http://agreda.blogspot.com/2006/01/memorial-de-casa-grande.html)

(Crédito de la fotografía:

http://www.librosperuanos.com/autores/rodolfo-hinostroza4.html)

"Memorial de Casa Grande" de Rodolfo Hinostroza

Título: Memorial de Casa Grande.

Género: Poesía.

Autor: Rodolfo Hinostroza.

Editorial: Lustra editores.

Dimensión: 23 cms. x 15.8 cms.

Precio: S/. 25.00

Año: 2005

Número de paginas: 56

ISBN: 9972257010

"Memorial de Casa Grande", fue el tercer libro de poemas que publicó el reconocido poeta peruano Rodolfo Hinostroza, tras un prolongado periodo de silencio lírico, de nada menos que 34 años, tras los que Hinostroza confió en Lustra editores, para la publicación de este tercer poemario. Está de más decir, que habiendo pasado tantos años desde que remeciera el ámbito literario con sus archifamosos poemarios "Consejero del lobo" (1965) y "Contra natura" (1971, que le valió el Premio internacional de poesía "Maldoror"), Memorial de Casa Grande fue esperado con inusuales ansias por parte de los seguidores de la voz poética de este gran escritor, de quien no sin justicia podemos decir, es actualmente el escrito peruano vivo con mayor registro, habiendo publicado no solo en poesía, sino además en cuento, novela, periodismo, culinaria, astrología, teatro y ensayo.

Memorial de Casa Grande, es un repaso por los antiguos afectos del poeta, por aquellas vivencias relacionadas a su familia y a las emociones suscitadas en él en un ámbito tan cerrado como la familia mas cercana. Este poemario marcó así el regreso de una de las voces más notables de la poesía no solo peruana, sino latinoamericana. Voz lírica, homónima del autor, que se sumerge en el árbol genealógico familiar Hinostroza para pasar a exponer el recorrido de una familia que anclada en sus orígenes en el fundo de Huaraz, se desperdiga luego por la amplia mesocracia burguesa de la ciudad capital Lima.

El poema final "Con el sol en los órganos", sirve de anclaje con la realidad inmediata y constituye una reflexión sobre el presente y el futuro de la voz poética. Se abandona el lenguaje cargado de metáforas y referencias a los clásicos ingleses y de lengua castellana, su afecto a la cita erudita, para recurrir a un lenguaje descarnado pero cargado de referentes de la cultura popular, que fluye a lo largo de sus versos. Este es pues sin duda, un poemario memorable, pero sobre todo: imprescindible.

"El silencio de la máquina", de Julio Fabián

Título: El silencio de la máquina.
Género: Poesía.
Autor: Julio Fabián.
Editorial: Lustra editores.
Dimensión: 21.5 cms. x 14.5 cms.
Precio: S/. 25.00
Año: 2007
Número de paginas: 57
ISBN: 9789972257094

En el Silencio de la máquina, Julio Fabián nos presenta su mejor producción poética. Aquí los referentes culturales no pesan, sino que son asimilados y articulados en cada uno de los poemas con brillante lucidez y sobriedad, alcanzando despliegues verdaderamente importantes en los mejores textos, como en Einstein ensaya sobre la luz por ejemplo.

Y es que en este libro El silencio de la máquina es interrumpido por la voz segura del poeta quien, cual Virgilio a Dante, nos guiará hacia el descubrimiento de la trascendencia mediante versos iluminadores que hacen de este libro imprescindible.

"Oeste oriental" de Pedro Favaron

Reproducimos una nota publicada en la revista "a voz de Montreal sobre el poemario Oeste oriental de Pedro Favaron, poemario integrante de la Colección Piedra/Sangre muestra poética del 2000, co-editado por Lustra editores y el CCE.

OESTE ORIENTAL. Pedro Favaron. Lustra Editores-Centro Cultural de España (Colección piedra/sangre). Lima, 2008.

El escritor peruano Pedro Favaron (Lima, 1979) con esta tercera de sus obras, desafía en prosa y en verso las formas convencionales del estilo, utilizando la temática quechua y aymara en versos que ofrecen la inequívoca apariencia de traducciones directas de las lenguas andinas. Tanto es así que prescinde de artículos y conjunciones para hilvanar sus versos y seguramente provocará tanta curiosidad como sorpresa en los lectores menos avisados en estos menesteres.

"Muriendo mucho ante ser próximo destruido de anticipo", dice uno de los versos del poema 15, y en verdad, exige en todo su trayecto la relectura para interpretar correctamente el mensaje. Se trata, pues, de una técnica experimental que Favaron intenta para ajustar la relación de los conceptos de las lenguas madre andinas.

(Crédito de la nota: revista La Voz de Montreal, número 4 – año XVIII, 11 de marzo de 2009.)

Nota sobre "Suzuki Blues" escrita por Javier Ágreda

Reproducimos en la presente entrada, la nota que sobre el poemario Suzuki Blues de Renato Sandoval, publicó Javier Ágreda en su blog Libros, el día 03/07/2006.

Renato Sandoval (Lima, 1957) es uno de los más empeñosos difusores de la poesía en nuestro medio, tanto por su trabajo académico (en las universidades Católica y de Lima) como por su labor como traductor, director de revistas literarias y editor de libros. A ello suma su propia obra -iniciada con Singladuras (1985) y que tiene su punto más alto en Nostos (1996)- que une la reflexión poética con el conocimiento de las diversas vertientes de la tradición literaria occidental, desde los clásicos grecolatinos hasta los escritores nórdicos de la actualidad. En su nuevo poemario Suzuki Blues (Lustra, 2006) Sandoval incursiona, con el mismo rigor y documentación, en ámbitos propios de la literatura oriental.

Medio centenar de poemas, de una extensión promedio de unos 15 versos, componen Suzuki blues; y cada uno de ellos parte de un haiku, renga o tanka de algunos de los poetas “clásicos” orientales: Basho, Li Po, Wangiu, Tu Fu, etc. Los textos de Sandoval retoman motivos de esos poemas para desarrollarlos y traerlos a nuestro contexto actual. La observación de la naturaleza, tan característica del arte oriental, se combina por eso con descripciones de la vida urbana moderna: “Hoy el rocío borra lo escrito...” se inicia uno de los poemas basados en textos de Basho, para después pasar a hablar del “smog” y los “claxons”, inevitable telón de fondo de nuestra “tanta prisa” cotidiana.

Lo que se mantiene constante son los temas, que remiten a las concepciones básicas del budismo y taoísmo: la impermanencia o condición efímera de todo lo humano, el elogio de la sencillez y la pureza, la opción por lo quieto y pasivo, la búsqueda de una verdad interior. La oposición de estos fundamentos con nuestra religiosidad cristiana, obsesiva búsqueda de conocimientos científicos y optimista fe en el futuro se convierte por eso en el eje de la mayoría de los poemas. Sandoval expresa esa oposición a través de imágenes y elementos simbólicos que contrastan lo diurno y lo nocturno (sol-luna, trabajar-dormir, luz-sombra): “ríe en el sol la última marmita y a la luna señala...”

Resulta un verdadero acierto abordar esta temática sin imitar formas o técnicas de la literatura oriental; y sin llegar a ese malentendido minimalismo en que han caído otros autores con proyectos similares. Por el contrario, en Suzuki blues el manejo de los símbolos e imágenes está inscrito en esa línea literaria que va de la poesía simbolista (Sandoval ha escrito ensayos sobre Eguren y Rilke) hasta los herméticos italianos. Y en cuanto al lenguaje, el empleo de aliteraciones y rupturas gramaticales, sumado a la peculiar adjetivación, hace que algunos versos adquieran resonancias vallejianas: “Sinfónica la mora / que cobra tres y otros / tres por nada cierto y aun / dos más entre tanta ortopedia y descalabro...”

(Crédito de la nota: http://agreda.blogspot.com/2006/07/suzuki-blues.html)

(Crédito de la fotografía:

http://www.universeofpoetry.org/peru.shtml)

Suzuki Blues de Renato Sandoval

Título: Suzuki Blues.

Género: Poesía.

Autor: Renato Sandoval.

Editorial: Lustra editores.

Dimensión: 19.5 cms. x 13.8 cms.

Precio: S/. 20.00

Año: 2006

Número de paginas: 62

ISBN: 9972257037

Suzuki Blues, es el sexto poemario que nos entrega el poeta peruano Renato Sandoval, de quien no sin justicia podemos afirmar que se trata, además, de uno de los principales promotores culturales del Perú. Para corroborar esto bastaría apreciar su ardua labor de traductor y editor de autores imprescindibles para la tradición occidental (Arnaut Daniel, Pavese, Rilke, Kafka), al igual que de autores de tradiciones muy poco conocidas en América Latina como la nórdica (Agren, Haavikko, Södergran, Stenberg, Boberg) revistas de circulación nacional e internacional (Evohé y Fórnix), investigador de lenguas aborígenes en extinción y viajero incansable. Todo esto hecho con la "oriental" modestia y el perfil bajo que siempre lo han caracterizado.

Pero si Renato Sandoval es un gran traductor y editor, también es un poeta notable, que ha aspirado siempre a la universalidad. Y es que sus poemarios tienen el mismo afán por mostrar la voz del otro, esto, en parte, como consecuencia del fenómeno de globalización, en su sentido positivo, del que el autor siempre ha querido dar cuenta. En ese sentido, Suzuki Blues responde, por ejemplo, a un diálogo profundo entre la literatura zen (de Corea, Japón y China) y la tradición poética de Occidente, mediante el procedimiento del uso del pasado (a la manera de Jung) para la estructuración del presente. Así, todos los textos de este libro tienen como punto de partida un haiku, un renga, un tanka o un koan, pertenecientes a algún poeta de Oriente, cuyo nombre aparece consignado entre paréntesis al final de cada poema.

Nota sobre "Canto de la Herrumbre", escrita por Pedro Granados

Reproducimos aquí la nota que sobre el poemario Canto de la Herrumbre de José Agustín Haya de la Torre, publicara Pedro Granados en el blog de Pedro Granados, el día 29/06/2007.

Canto de la Herrumbre de José Agustín Haya de la Torre (Lima: Lustra editores, 2006)

Nos ha dejado una muy positiva impresión este primer poemario de José Agustín (Lima, 1981), aquello de su “inquebrantable creencia en la poesía” que es otro modo de declarar su fervor por ella y, sobre todo, sabiendo hacérnoslo compartir. Creemos que éste es el distintivo fundamental de la vocación de alguien que se echa a escribir poesía, muy por encima de hacerlo cara a temas, agendas teóricas o efemérides. Ciertamente, también percibimos el eco de sus lecturas --como es de preveer en un graduado de literatura por la Universidad Nacional Mayor de San Marcos--, pero éstas se hallan siempre al servicio de aquella pasión primigenia; jamás pretenden ser onanista vitrina de saberes y, algo más importante, el yo poético rechaza mostrarse de antemano como un sujeto listo ante el lector: el contrato que establecen ambos es más bien de mutua fragilidad y, paradójicamente, sostenida curiosidad ante la existencia.

El reiterado cultivo del oxímoron muerte-vida, que le viene a Haya de la Torre por parte de Vallejo (vía Javier Heraud y César Moro, en este orden), se haya internalizado en la médula de su escritura; no es alusión meramente superficial, menos, giro conformista o melancólico. Aquél es pepa de la alegría que destila todo este poemario; gozo auténtico, aunque no menos reflexivo, quizá a la manera de un Dylan Thomas. De alguien que piensa con los pulmones, con los que se debería también escribir, y a un --singularmente prematuro-- ritmo de su propia respiración:

Alguna vez…

Alguna vez

a la muerte encontré

sentada frente a mí

descorazonada

En ella me reconocí

Siempre hemos sido

los mismos

Siempre

los que del fuego hemos cuidado

Ve y ama

terminó diciéndome

Y me eché a morir

Amándola

(Crédito de la nota: http://blog.pucp.edu.pe/item/11199)

(Crédito de la fotografía:

http://sol-negro.blogspot.com/2008/09/entrevista-jos-agustn-haya-de-la-torre.html)

"Canto de la Herrumbre" de José Agustín Haya de la Torre

Título: Canto de la Herrumbre.
Género: Poesía.
Autor: José Agustín Haya de la Torre.
Editorial: Lustra editores.
Dimensión: 19.5 cms. x 16.9 cms.
Precio: S/. 20.00
Año: 2006
Número de paginas: 40
ISBN: 9789972257070

El poemario Canto de la Herrumbre, de José Agustín Haya de la Torre, es un canto callado, debido a la herrumbre que sella nuestras gargantas, es el resultado de un trabajo constante y honesto de parte del poeta frente a la poesía. Un trabajo arduo que copó los primeros años de producción literaria del autor, de quien poco supimos antes de la publicación del presente libro en el año 2006, tras los múltiples recitales, encuentros y publicaciones en los que participó a comienzos del año 2000. Sin embargo, por fortuna José A. Haya de la Torre decidió volver del silencio, para efectuar la entrega de este poemario breve, pero muy sólido.

Canto de la Herrumbre, contiene poemas cargados de contemplación y una búsqueda de silencio, y mas silencio, como no podría ser de otra manera. Y es así que el autor construye este libro "en clave de muerte", pues es solo después de la llegada de ésta que la voz es liberada de su cuerpo opresor y puede reformularse incluso en las voces de otros para ser transgresiva. Este poemario se escribió para volver al silencio, y para poder tener el tiempo de amar. Los periodos de silencio del poeta, suelen ser los más fecundos en su proceso de aprendizaje, pues es desde el silencio que éste construye todo un universo cargado de vida, música y color; es desde el silencio que el poeta aprende a escuchar y sentir su ritmo interior. Sus latidos. Los poetas se preparan desde el silencio para embestir al mundo, que duda cabe.

El concepto de la herrumbre en relación al viaje que significa hacer un libro, y tan íntimamente ligado éste al tema de la muerte como destino último e infranqueable, y sin embargo, liberador, queremos entenderlo por el lado del viaje que incluso en el distanciamiento del camino (que para muchos otros implicaría el perderse) encuentra su recompensa en la ruta que traza día tras día porque está siempre dispuesto a sorprenderse, ver y deleitarse, y hacernos partícipes siempre in sito, nunca virtualmente, de aquello que otros no ven ni pueden sentir, porque deciden llamar a una agencia y convertirse en "turistas" intelectuales, en algunos casos. En contraposición a esto, el presente poemario tiene ese sabor añejo de lo real y vívido, solo apreciable en aquellas cosas que realmente importan porque fueron forjadas por el tiempo, la alineación de las grandes figuras celestes y el Amor, y su siempre manifiesto deseo de trascendencia. Este es pues, el designio de Canto de la Herrumbre.

Nota de "El círculo de la memoria" de Lucía Estrada por Paul Guillén

Nota publicada por el poeta peruano Paul Guillén en el blog Sol Negro el día 28/10/2008, respecto a la selección de poemas El círculo de la memoria de la poeta colombiana Lucía Estrada, publicado por Lustra editores.

EL CÍRCULO DE LA MEMORIA DE LUCÍA ESTRADA, por Paul Guillén*

Para empezar estas pequeñas impresiones que me ha suscitado el libro El círculo de la memoria (Lima: Lustra editores, 2008, 70 pp.) de Lucía Estrada (Medellín, 1980) valdría la pena preguntarnos: ¿qué podemos decir de la relación entre la poesía colombiana y la peruana? ¿Podemos decir algo? Sí, existe una relación a través de las revistas literarias peruanas que cobijaron en sus páginas a poetas colombianos como Gonzalo Arango, Álvaro Mutis, Jotamario Arbelaez o Juan Gustavo Cobo Borda, hablo de revistas como Cuadernos trimestrales de poesía de Trujillo, Península del Callao, Creación & Crítica, Cielo abierto, Fórnix de Lima, entre otras; y, por esos mismos años, gracias, principalmente, a la revista Eco hemos podido leer los trabajos de otros poetas colombianos como Eduardo Carranza, Darío Jaramillo Agudelo, Santiago Mutis Duran, Juan Manuel Roca, Elkin Restrepo, Fernando Charry Lara, entre muchos otros. Y, más acá, gracias al Internet también hemos conocido los trabajos de Raúl Henao, Armando Romero, María Mercedes Carranza, Piedad Bonnett, William Ospina, Orietta Lozano, Consuelo Hernández, y en especial de un poeta sumamente particular como Raúl Gómez Jattín. En ese sentido, el libro que venimos a presentar hoy día se torna como renovador de sus propias tradiciones y sus propios contextos de discurso y se instala con absoluta vigencia dentro del panorama de la poesía colombiana reciente.

El libro El círculo de la memoria de Lucía Estrada, es una selección de poemas escogidos que comprende el lapso de 1995-2008 y recopila textos de los libros Fuegos nocturnos (1997), Noche líquida (2000), Grimorio (2001), Maiastra (2004), Las hijas del espino (2006) y una última sección denominada Otros poemas que corresponde a su última producción fechada en el año 2008. La sección Fuegos nocturnos se abre con un epígrafe de Edmond Jabès que dice: “Una noche para gestar otro sol”, es decir, un ciclo nocturno que comprende una traslación de tiempo, el poeta solo puede confiar en este tiempo, cito de Lucía Estrada: “Sólo el tiempo / dirá la última palabra”. Pero este tiempo está formulado de manera circular: “Cada poema abre otro silencio, / recorre las estancias últimas / de la palabra / para volver al todo”. Silencio, tiempo y palabra parecen ser elementos centrales en la enunciación poética de esta primera sección o en palabras de Juan Manuel Roca -autor de la nota introductoria a la antología-: “De esas dos materias, vacío y silencio, despegan los poemas de Lucía Estrada”. ¿Existirá un tiempo vacío, un tiempo hueco, un tiempo como un eco que revienta en la mente, un tiempo dentro del tiempo? Un tiempo que vuelve sobre sí mismo, cito del poema Éxodo: “Tras la nube de fuego, en el polvo, volverás a tu centro”. Este volver es un volver al vacío, al tiempo, al silencio, a las palabras que escapan, ese sentido de huida es tener y no tener nada, sea el tiempo, el silencio, las palabras o todo o nada.

La segunda sección Noche líquida se abre con un epígrafe de la poeta mexicana Gloria Gervitz. Si en la primera sección el movimiento era de la noche al día, en esta segunda sección se busca recrear esa noche simbólica y primordial con algunos elementos esotéricos, para alcanzar un estadio de plenitud que es caracterizado como un estadio de muerte, cito: “HABLAMOS de la muerte / ¿dónde hemos aprendido / ese lenguaje?”.

Todo los elementos que hemos enumerado hasta ahora se harán más patentes en la tercera sección titulada Grimorio, esta sección tiene un epígrafe inicial de Robert Graves: “Luna nueva, diosa blanca del crecimiento; Luna llena, diosa roja del amor y la batalla; Luna vieja, diosa negra de la muerte y las adivinaciones”. Estos elementos esotéricos, alquímicos u ocultistas -por llamarlos de alguna manera- son una resistencia contra la normalidad y contra la racionalidad utilitarista e instrumental. En ese sentido, la poesía de Lucía Estrada es una poesía oscura, pero no contraria a lo luminoso; fría, pero no racionalista: “En la escarcha se ofrecen / los más altos jardines”, lo gélido como un momento de transformación, como una epifanía donde se encuentra la perfección.

La cuarta sección se titula Maiastra, y tiene un epígrafe de la poeta argentina Olga Orozco: “…Sepultado de un tajo en lo más hondo de la selva nocturna, / debajo de unas aguas que se entreabren al soplo del amor / y se cierran de golpe al roce de la piedra, / así estás, como un pájaro en exilio, en la jaula del pecho…”, de nuevo reconocemos símbolos constantes como la nocturnidad y es notorio la poesía de Lucía Estrada es un ciclo que debe ser entendido como cíclico. Por ejemplo, este pasaje parece sacado de alguna narración mitológica germánica o escandinava: “Entro en la fiebre. Desde mi ventana veo el nacimiento de los mares, colinas que la espuma reviste, novias muertas, sumergidas. Temo ser encontrada con esa visión, que descubran mi deseo de correr tras una legión de ahogados”. Como reafirmando que los símbolos en esta poesía son símbolos obsesivos, como pasa en la poesía de Rimbaud, podemos citar estos versos: “El rito de la noche no termina” y “Un silencio seco rodea la palabra / Todo termina y todo vuelve a comenzar.”, la noche, el silencio, la palabra son los símbolos más recurrentes en esta vasta memoria circular.

La quinta sección titulada Las hijas del espino obtuvo el Premio de Poesía Ciudad de Medellín en el año 2005, esta sección incluye un epígrafe de Djuna Barnes, como sabemos Barnes fue una escritura estadounidense que frecuentó a la mayoría de poetas de lo que se conoce como modernismo, sólo basta referir que fue amiga de Ezra Pound y James Joyce. Además, tiene una historia privada muy fuerte que se manifiesta en su producción literaria. Creo que en esta sección Lucia Estrada escoge muy bien sus referentes desde lo trasgresor hasta lo marginal, aquí se trata de poemas basados en personajes femeninos como Yocasta, Circe, la Barnes, Mary Shelley, Natalia Gontcharova, Camilla Claudel, entre otras.

Finalmente, en la última sección titulada Otros poemas, hay un epígrafe de Paul Celan: “Se reunió contigo lo escuchado/ echó también lo muerto / el brazo sobre ti / y los tres avanzasteis/ en la noche…”, se trata de un poema largo en cuatro estancias, donde el propósito del poema se encuentra en conjunción con todo el ciclo poético mediante estos versos: “Cuando la noche se inclina y parece que pronuncia tu nombre, / hundes tus manos en la oscuridad / y buscas a tientas el cuerpo inabarcable de tu memoria”. La noche, la oscuridad, el cuerpo, las palabras, la memoria se instalan, como al inicio, como los símbolos generadores del lenguaje poético y son estos símbolos los que iluminan esta noche oscura y llena de poesía.

(*) Palabras leídas en la presentación de El círculo de la memoria de Lucía Estrada en el Centro Cultural de España en Lima el día 16 de setiembre de 2008.

(Crédito de la nota:

http://sol-negro.blogspot.com/2008/10/el-crculo-de-la-memoria-de-luca-estrada.html)

(Crédito de la fotografía:

http://fabricioestrada.blogspot.com/2009/04/lucia-estrada-colombia.html)

El círculo de la memoria, selección de poemas de Lucía Estrada

Título: El círculo de la memoria.

Género: Poesía.

Autor: Lucía Estrada.

Editorial: Lustra editores.

Dimensión: 22.3 cms. x 13.2 cms.

Precio: S/. 25.00

Año: 2008

Número de paginas: 70

ISBN: 9786034529137

El círculo de la memoria es el título que lleva la selección de poemas publicada por Lustra editores de la joven poeta colombiana Lucía Estrada (Medellín, 1980), la cual lleva en su carrera literaria cuatro publicaciones con las que sin temor a equivocarnos, podemos decir que se trata de una de las principales voces poéticas colombianas (y latinoamericanas) de los últimos tiempos, por lo que merece ser destacada entre los escritores de su generación.

La poética de Estrada es renovadora, utiliza el lenguaje de una manera tan aguda, que hila muy fino entre sus versos, lo que genera poemas profundos en lírica y contenido. Sus temas fundamentales: la mujer, la magia, la noche y la palabra, son expuestos por la poeta con una técnica exquisita, que no queda en la mera expresión de los mismos de modo repetitivo, sino que con claro conocimiento, los aborda desde distintas ópticas, que generan como consecuencia, un tratamiento que redondea inteligentemente la multiplicidad de imágenes, retratos y personajes.

El círculo de la memoria, forma parte de la serie de novísima poesía latinoamericana, que Lustra editores pone al alcance de los lectores, en un intento por divulgar las nuevas voces de la poesía latinoamericana contemporánea, la misma que va ganando cada vez mas, un sitial importante dentro de la poesía en lengua castellana.

Nota sobre "Nudo Borromeo y otros poemas perdidos y contrados" de Rodolfo Hinostroza y la antología "Hotel de las nostalgias" de Óscar Hahn

La presente nota que reproducimos en esta entrada, fue publicada por el blog Sobre musas y demonios, y realiza una crítica respecto al poemario Nudo Borromeo y otros poemas perdidos y encontrados de Rodolfo Hinostroza, y otra sobre la antología poética Hotel de las nostalgias de Óscar Hahn, ambas publicaciones de Lustra editores, que se encuentran a la venta en librerías, o directamente contactando a: lustraeditores@gmail.com.

Celebración de la poesía: Hotel de las nostalgias y Nudo Borromeo.

Desde finales del año pasado, Lustra editores, joven empresa editorial que apuesta por la poesía, se alió con el Centro Cultural de España para presentar una selección de títulos de autores hispanoamericanos. Fruto de esta asociación se han publicado “l pequeño y mugroso Pólack de Bruno Polack, Memorias de acequia de Cesar Panduro, Délibáb, enemigo del viento de Víctor Ruiz Velazco, La palabra en el tiempo antología poética de Wáshington Delgado y A mil o la vida muerta del chileno Héctor Hernández Montecinos.

Y recientemente de la serie Poesía Latinoamericana Contemporánea (Lustra editores), presenta dos nuevos lanzamientos, esta vez con la producción poética de dos renombrados escritores: el poeta peruano Rodolfo Hinostroza con Nudo Borromeo y otros poemas perdidos y encontrados, y el chileno Óscar Hahn con Hotel de las nostalgias. Víctor Ruiz, director de Lustra editores, nos da luces sobre los autores y sus obras.

Óscar Hahn (Iquique-Chile, 1938) es profesor de Castellano por la Universidad de Chile, Master of Arts por la Universidad de Iowa y Doctor en Filosofía por la Universidad de Maryland. En poesía ha publicado los libros: Esta rosa negra (1961), Arte de morir (1977), Mal de amor (1981), Estrellas fijas en un cielo blanco (1989), Tratado de sortilegios (1992), Versos robados (1995), Apariciones profanas (2002) y En un abrir y cerrar de ojos (2006). Entre sus reconocimientos destacan los premios Alerce, May Brodbeck, Altazor, Latino de Poesía, Casa de América y el premio del Consejo Nacional del Libro en Chile.

Hotel de las nostalgias se plantea como una propuesta de lectura de la monumental obra del destacado poeta chileno, en pos de reconocer en ella a una de las voces imprescindibles de la poesía latinoamericana de los últimos años. Para ello se ha llevado a cabo una selección que contempla cada uno de los libros publicados por el autor, desde Esta rosa negra (1961), hasta En un abrir y cerrar de ojos (2006). Este libro, además, es un avance de lo que será el libro homenaje que Lustra editores viene trabajando con miras a los 70 años del poeta chileno*.

Por otro lado, Rodolfo Hinostroza en poesía ha publicado Consejero del lobo (1965), Contra Natura (1971) y Memorial de Casa Grande (2005). Su labor creativa, sin embargo, no se restringe exclusivamente a la lírica, y es así que tanto en narrativa -Aprendizaje de la limpieza (1978), Fata Morgana (1994)-, como en teatro, ha desarrollado escrituras igual de sólidas, convirtiéndose de facto en el escritor peruano de registro completo más importante de la actualidad. Entre sus principales reconocimientos, destacan: El premio internacional Maldoror, concedido por Barral Editores, y el Primer Premio del concurso Juan Rulfo, de Radio Francia.

En torno al maravilloso poema que da título a la selección de Nudo Borromeo y otros poemas perdidos y encontrados, se articulan todos aquellos “poemas sin libro”, desde 1961 a 2002, escritos por Rodolfo Hinostroza y que en esta publicación encuentran su lugar definitivo. Este libro se plantea como el cuarto volumen de la obra de Hinostroza, una de las voces más representativas de nuestra poesía. Incluye además un extenso y detallado prólogo escrito por el propio autor.

*Dicha compilación de poemas ya ha sido publicada por Lustra editores, el año pasado, con el nombre Movimiento perpetuo. Obra poética completa (1961-2008), y se encuentra a la venta en librerías, o directamente contactandose con: lustraeditores@gmail.com

(Crédito de la nota:

http://sobremusas.wordpress.com/2008/03/24/celebracion-de-la-poesia-hotel-de-las-nostalgias-y-nudo-borromeo/)

Nota de la antología "Hotel de las nostalgias", del poeta chileno Óscar Hahn

Reproducimos aquí, la entrevista publicada por Andina. Agencia Peruana de Noticias en el mes de Abril del año 2008, donde el poeta chileno Óscar Hahn refiere importantes puntos sobre su obra poética, recogida en la antología Hotel de las nostalgias, publicada por Lustra editores en el año 2007.

Poeta chileno Oscar Hahn publica en Perú antología Hotel de las Nostalgias

Lima, abr. 08 (ANDINA).- Uno de los poetas vivos más importantes de Chile, Óscar Hahn, acaba de publicar en el Perú la antología Hotel de las nostalgias. Próximo a cumplir los 70 años, nos cuenta sobre su obsesión por ciertos temas y su gusto por el rock.

La muerte es una de sus obsesiones. ¿De dónde surge ese interés suyo?

–Desde muy joven me hice esa misma pregunta y nunca he podido dar con la respuesta. Quizás tiene que ver con la temprana muerte de mi padre, que falleció cuando yo tenía 04 años. Pero, a veces las respuestas que parecen más obvias no son las verdaderas. Para mí continúa siendo un misterio, y es mejor que sea así. Hay una frase de García Lorca que siempre recuerdo. “Solo el misterio nos hace vivir; solo el misterio”.

¿Este interés aumenta o disminuye con el paso del tiempo?

–Ni aumenta ni disminuye, pero cambia la perspectiva. Próximamente, voy a cumplir setenta años, y sé que entro en la última etapa de mi vida. Cuando joven hablaba de la muerte mediante imágenes barrocas y alegorías medievales, como para distanciarme de ella. Ahora, hablo de una manera más filosófica e introspectiva.

En Hotel de las nostalgias hace referencia a la música de Elvis Presley. ¿Sigue oyendo rock and roll?

–Cuando joven me gustaba mucho el rock. Lo descubrí con esa canción de Elvis que se llama en castellano Hotel de las nostalgias. El problema es que después de los Rolling Stones, hay muy pocos grupos nuevos que valen la pena. La excepción podría ser Nirvana.

Tengo un poema justamente sobre Kurt Cobain. El jazz y la música clásica es lo que más escucho ahora, esté escribiendo o no.

Un poema que me gusta es Una noche en el Café Berlioz. ¿Cuál fue la intención de ubicar esta historia de desencuentros en ese lugar?

–Es curioso, porque en Santiago no hay ningún Café Berlioz. Sin embargo, el poema fue inspirado en algo que sucedió en un café que se llamaba de otra manera. Despega de una situación real, vivida, pero poco a poco se va transformando en una especie de cuento fantástico. Muchos poemas míos han tenido un origen parecido, y no es algo que yo busque a propósito.

Mi segundo libro, Agua final, lo publicó Sologuren en sus ediciones La Rama Florida. Siempre los poetas peruanos me han acogido con una gran calidez.

Algo más

La abuela de Óscar Hahn vivía al sur del Perú, en Tacna.

De interés

Planes editoriales:

1) Se publicará próximamente una antología suya en España.

2) También se anuncia una reedición de sus poesías completas por el sello Visor de Madrid.

3) Este año, en Chile, saldrá el libro inédito Pena de vida.

4) En el Perú, editorial Lustra prepara una compilación de poemas.*

5) En 2009, saldrán dos libros suyos traducidos al inglés.

(entrevista por DOP)

* Dicha compilación de poemas, ha sido publicada por Lustra editores el año pasado, bajo el título Movimiento perpetuo. Obra poética completa (1961-2008), y se encuentra a la venta en librerías, contactando a: lustraeditores@gmail.com.

(Crédito de la entrevista y fotografía: Andina. Agencia Peruana de Noticias)

"Hotel de las nostalgias". Antología poética de Óscar Hahn

Título: Hotel de la nostalgias.
Género: Poesía.
Autor: Óscar Hahn.
Editorial: Lustra editores.
Dimensión: 22.5 cms. x 14.5 cms.
Precio: S/. 30.00
Año: 2007
Número de paginas: 78
ISBN: 997225708

Definir la obra poética de Óscar Hahn es una tarea titánica, cuando no insolente. ¿Cómo intentar vaciar el océano entero en un hoyo que a duras penas logramos cavar con nuestras manos? Hay algo que es evidente, sin embargo, y esto es que la poesía del chileno Hahn es inmediata y necesaria, y he ahí el por qué Lustra editores decidió apostar por la publicación de una selección de los mejores poemas de este eximio poeta.

A lo largo de su vida literaria, Hahn ha creado un universo vasto y bello, en el cual la razón poética se erige como un estandarte para que podamos reconocer nuestras propias fuerzas y debilidades en momentos en los que posibilidad de una autodestrucción del ser humano, se hace cada vez más posible e inminente. Hay algo trakeliano en este sentido: la imagen del fin divisada desde una página en blanco, la puerta de la casa, la ciudad toda; y claro, dentro de nosotros mismos.

La poesía de Óscar Hahn es entonces una de los sentidos, muy atenta a las visiones y, sobre todo, a las no-visiones, que quizás sean las más importantes, ya que se nos ofrece a través de la creación poética, la posibilidad de poder apreciar aquellas cosas que por simples o engorrosas, no llegamos a captar; y ese es uno de los más claros aciertos de Hahn en su propuesta literaria. El autor apuesta por una poesía que no busca hacerse voz, sino que desde su propia creación lo es. Por todo ello, la poética de Hahn en definitiva, es una poesía de la contemplación y la fe.

En Hotel de las nostalgias, Lustra editores ha efectuado una selección de los mejores poemas de este gran poeta chileno, logrando una reunión que no solo agrupa una cantidad determinada de textos, sino que le da una ilación y una estructura que hace de esta selección, un conjunto finamente articulado de poemas, lo que crea una atmósfera de clara armonía entre los textos. Sin duda, se trata pues, de una selección imprescindible.